Réaliser son rêve...

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Réaliser son rêve... | Page 2 | Le Repaire

C'est pas beau de se moquer
Voilà le lien :
Il y a évidemment plein de défauts mais je suis content du résultat vu les moyens, l'inexpérience de toute l'équipe et le peu de temps. Je tourne mon deuxième dans 15 jours (enfin 3ème car j'ai fais un petit truc pour le nikon ici ).
N'hésitez pas à critiquer, tous les conseils sont bons à prendre.

 

¨Petit problème de son dans les 2 cas quand même soit en intelligibilité soit en volume......on sent l'absence de preneur de son il mes semble .

Sinon belles images..comédien assez bon je trouve, histoire qui se tient...

 

Merci pour le retour AQW333.
Je suis bien d'accord pour les problèmes de son. C'est pas si facile de trouver quelqu'un compétent en la matière.
Pour les comédiens, je trouve qu'ils ne sont pas homogènes dans le premier mais je ne leur jette pas la pierre, je ne les ai certainement pas bien dirigé non plus. Bref, on apprend et tout ça en se faisant plaisir ...

 

D'ailleurs, je cherche un chef op pour mon prochain court si quelqu'un est intéressé (tournage du 1er au 5 Mai)

 

Le film du festival Nikon " Fraternité" ne me parle pas, alors je n'ai pas envie d'en parler, mais le film qui fait vraiment l'objet de ce sujet, "Mauvais Choix ?", oui...

Un petit côté "Alfred Hitchcock Présente" version trashe, je trouve... Le scénario est "carré", bien proportionné. Pour un premier, dans l'ensemble, c'est plutôt bien.

Pour les trucs perfectibles...

Je trouve que s'il y a vraiment une maladresse commise, c'est le choix du 2,35:1. Déjà, ce rapport de cadre n'est pas spécialement approprié à ce genre de film. De plus, il est difficile à cadrer (et rend la décoration plus difficile), et là, on dirait qu'il n'a pas été cadré en tenant compte du format final : certains cadres et mouvements de caméra coupent les comédiens de manière disgracieuse et trop longuement. Lorsqu'on choisit un tel format, il faut que ce soit avant le tournage et il faut avoir des repères pour pouvoir cadrer correctement, à priori, ce n'est pas le cas ici, mais je me trompe peut-être... Il n'a pas râlé ton cadreur lorsque tu lui as présenté l'image recadrée ? A la limite, si tu tenais vraiment à du format "panoramique", 1,85:1 ou 1,89:1 suffisait amplement. Si un format tellement panoramique n'est pas à la fois justifié et parfaitement géré, cela fait "je voudrais que mon film fasse vrai film de cinéma", et cela contribue à trahir l'amateurisme, donc, c'est destructeur.

Certains passages mériteraient de gagner en intensité en resserrant (encore) le cadre sur les comédiens à des instants clés. Bien sûr, ce n'est pas facile en 2,35:1... Aussi, j'ai remarqué que tu utilises pas mal le zoom, notamment pour ces fameux moments d'intensité… Si tu veux rendre l'effet plus convaincant, il vaut mieux utiliser le travelling, et pour cette utilisation-là, un slider tout simple suffit. L'effet de rapprochement du personnage est rendu de manière "plus physique", avec un changement de perspective, "l'impression" est plus grande, plus intense.

Pour le son, cela a déjà été évoqué, j'ai envie de dire que tu as tout intérêt pour ton prochain à passer à la vitesse supérieure, à la prise comme au mixage, question de donner la priorité aux choses essentielles , car l'image est incapable de noyer ce très gros poisson qu'est le son. Mais je suis à peu près sûr que tu en es conscient, puisqu'on entend un max d'artefacts qui trahissent l'utilisation poussée d'effets de "nettoyage" tels que l'effacement, la réduction/suppression de bruit, la déréverbération, etc.

Encore une fois, pour un premier film de fiction en tant que réalisateur, sans vraiment d'expérience dans le domaine, on peut dire que c'est réussi.
Bonne chance et bon travail pour ton prochain !

 

Merci beaucoup pour ce retour détaillé Nestaphe. Je n'ai rien à dire d'autre que je comprends et je suis d'accord avec toute tes remarques.
Le cadreur, c'était en parti moi donc non il n'a pas ralé !
Effectivement, pour le prochain que je tourne la semaine prochaine, je vais utiliser d'avantage le travelling. Quand au son, oui c'est la catastrophe et j'espère faire mieux sur le suivant. Il y aura un ingé son/perchiste mais pas expérimenté donc on verra, je luis fais confiance (j'attache beaucoup d'importance à ce côté humain). Sur "Mauvais choix", j'ai juste utilisé la réduction de bruit d'Audacity mais en poussant trop c'est évident (d'un autre côté, fallait voir la source ).

Bref, je vous saoulerai avec mon prochain "Eurydice 2019" quand il sera prêt (tournage la semaine prochaine mais montage en août septembre).

 

Alors, tu pourrais éventuellement lui transmettre ce qui suit, des propositions dont certaines te concerne toi aussi :

- En intérieur, préférer si possible un micro hypercadio qu'un semi-canon ou canon qui ont un lobe arrière plus prononcé et capteront davantage la réverbération.

- Quoiqu'il en soit, penser au lobe arrière et orienter l'axe du micro de manière à ce que son "culcul" ne pointe pas plus que sa "tétête" dans l'axe d'une source de bruit parasite. Par exemple, je vise exactement la bouche de mon comédien avec mon hypercardio ou mon semi-canon dont le culcul tombe dans l'axe de la fenêtre qui donne sur la rue avec les véhicules qui passent. Dans ce cas, préférer orienter le corps du micro à 45° ou 90° en visant la zone d'air expulsée par la bouche (périmètre d'environ 30-40 cm devant la bouche). Idem, pour la "tétête" du micro si la fenêtre est dans le dos du comédien.

- En général, préférer viser la zone d'air expulsée juste devant la bouche que directement les lèvres du comédien. Pourquoi ? Parce que s'il bouge beaucoup la tête dans le dialogue et que le perchiste ne fait pas preuve d'une habileté irréprochable pour le suivre parfaitement, le son de la voix sera "détimbré" en permanence et cela ne se corrige pas en jouant du niveau en post-prod. Par contre, en visant cette zone d'air expulsée plutôt que directement la bouche, cela demande moins de précisions pour suivre le mouvement sans détimbrer. Idem, lorsque deux comédiens se parlent et que leurs lèvres à chacun sont visibles dans le même plan : il vaut mieux viser le "croisement des deux haleines" en opérant un très léger déplacement combiné à une toute petite rotation, plutôt que de jouer les snipers (en plus, si les tirades se chevauchent par moment, t'es chocolat !). Dans cette même situation, "la zone de croisement des deux haleines" ne veut pas dire qu'il faut forcément se placer en son centre. Il faut se fier à ses oreilles et se placer là où les deux voix s'équilibrent. En effet, certaines voix portent bien plus que d'autres !

- Sensibiliser les comédiens plus ou moins débutants au fait qu'ils doivent s'efforcer d'articuler plus que dans la vie quotidienne et surtout de ne pas laisser retomber le ou les derniers mots de leurs phrases. Idem, pour le tout début de phrases, c'est moins fréquent mais le moteur doit partir au quart de tour. Encore faut-il en être conscient lorsqu'on a le casque sur les oreilles et qu'on ne découvre pas le dialogue, car les problèmes éventuels de compréhension sont difficiles à déceler. Comme cela ne saute pas forcément à l'esprit, il faut mobiliser ses oreilles là-dessus (entre autres), et réagir par des explications entre les prises.

- Il n'y a pas de miracle, pour obtenir une voix dans l'ensemble bien présente, il approcher le micro de la bouche du comédien autant que le cadre le permet ! Et pour cela, il faut :

- Avoir une conscience exacte du cadre et donc le regarder ! (Cela prête à sourire mais dans les faits…) Ensuite demander au cadreur ses indications et rentrer le micro dans le champ, le reculer doucement jusqu'à l'instant de sa disparition et prendre une faible marge de sécurité. Sur certaines valeurs de plans, il peut vite arriver que l'on perche d'un mètre plus loin que le cadre nous le permettrait. Et 20-30 cm peuvent faire une sacrée différence ! En milieu particulièrement réverbérant, il sera capital de bien s'approcher afin que la réverbération bien que présente soit relativement "lointaine" et ne nuise pas à la compréhension.

- Tenter d'agir sur l'acoustique de la pièce (surtout en milieu assez réverbérant) : la situation d'un tournage fait qu'il n'est guère envisageable de le faire autrement qu'en absorbant. Il y a pas mal de possibilité à combiner entre elles. Par exemple, éventuellement mettre un tapis au sol s'il n'est pas dans le cadre, utiliser des mousses à épingler aux murs ou à fixer avec des pinces là où c'est possible, des couvertures sur pieds de micro ou pieds de projo, etc. Pour les zones prioritaires à "absorber" avec ses faibles moyens, il faut chercher les éventuels "flutters échos " en frappant dans ses mains de l'endroit où les comédiens se trouvent et repérer les réflexions qui font "Zzzzzzz" (une réflexion entre deux murs qui ne s'échappe pas pour cause de parallélisme et de rencontre à angle impeccable). Dans ce cas, absorber l'un des deux murs à l'endroit ou tape cette réflexion qui boucle, selon ce qu'il est possible de faire avec le cadre.

- Prendre / donner le temps de trouver le meilleur positionnement du perchiste en fonction de la situation de plateau et faire des compromis si la situation ne semble pas permettre un positionnement correct pour la prise de son ! La nature de ces compromis ? Accepter parfois de resserrer un peu le cadre. Accepter de déplacer un projecteur et de sacrifier un peu à la lumière si le positionnement des projecteurs renvoie l'ombre de la perche dans le cadre un peu dans tous les sens et que le perchiste devrait reculer de deux mètres et plus à cause de cela : c'est un acte difficile, car la lumière, elle fait tout de suite sensation lorsqu'on regarde le cadre, or le son, c'est après le tournage que l'on s'aperçoit qu'il est dégueu…

- Faire son niveau correctement et pas trop faible, surtout avec du matos qui a un rapport signal/bruit pas terrible : en remontant de beaucoup ton niveau en post-prod, tu risques de récupérer trop de souffle. S'il y a un éclat de niveau au cours de la scène, il faut reculer la perche où jouer du potentiomètre (avec un assistant pour l'occasion), et pour cela, il faut faire des essais, donc encore une fois, prendre le temps. En tout cas, il ne faut pas sacrifier le niveau de toute une scène pour un instant d'exclamation.

- Prévoir des tampons autocollants, genre patins de pieds de chaises à mettre là où il est besoin, genre sous une tasse que le comédien reposerait pendant sa tirade, etc. On remettra un bruitage maîtrisé en post-prod plutôt que d'avoir à traiter par "haute technologie" un parasite qui forcément va quand même altérer la voix.

- Faire des sons seuls. L'expérience donne les moments où il est nécessaire de faire des sons seuls et en général sur un tournage, ces moments ne sont pas nombreux. Avec "assez peu d'expérience" il vaut mieux en faire un à toutes les scènes !

- Pour finir, puisque tu es le réalisateur et donc à priori le chef d'orchestre, c'est à toi de donner l'espace nécessaire à la prise de son… Cela demande aussi un certain conditionnement personnel avant tournage, parce que de le savoir n'est pas toujours suffisant, car dans l'urgence et dans le stress, c'est généralement le son qui morfle en premier.

Il y aurait encore plein de choses à dire, mais je pense que c'est déjà un bon début pour ton tournage de la semaine prochaine.

 

Wahouu, merci beaucoup Nestaphe pour ces conseils avisés et détaillés.
A moi maintenant d'en tirer profit au maximum (mais d'autres qui liront ce message y trouverons leur compte aussi).
Maintenant j'ai la pression. En tout cas, j'ai les éléments et j'espère pouvoir mettre en pratique malgré le stress du tournage.
Le résultat dans quelques mois ...